Benvenuti a The Storytellers, la nostra serie che mette in luce i creativi che danno vita alle loro idee con lo Storyboard.

Prima che la pittura raggiunga la tela, il processo di Lisa Nooin inizia con parole, sentimenti e grandi idee.

Con sede a Sydney, Lisa usa The Storyboard come bussola creativa - in parte pianificatore visivo, in parte centro di ispirazione - raccontando storie che sembrano in egual misura autentiche e connesse.

Raccontateci la vostra storia!

Salve, sono Lisa, un'artista di Sydney, Australia. Il mio percorso è iniziato con una laurea in Design della comunicazione e ho trascorso tre anni a lavorare in un'agenzia di design, sviluppando le mie capacità e imparando le corde dell'industria creativa. Ma nel profondo ho sempre saputo che la mia vera passione era l'illustrazione. Così ho preso la coraggiosa decisione di lasciare il mondo delle agenzie e di concentrarmi interamente sulla mia arte. Ho lavorato per altri tre anni come illustratore nel settore tecnologico, ma quando è arrivata la pandemia, ho riscoperto il mio amore per la pittura e ho deciso di dedicarmi alla vita artistica.

Come utilizzate il vostro Storyboard?

Uso lo Storyboard nel mio studio d'arte come strumento per pianificare e raccogliere l'ispirazione per la mia pratica creativa. Avere i miei schizzi concettuali e i riferimenti visivi davanti a me supporta il mio processo e mi aiuta a rimanere concentrato. Essendo una persona visiva, è importante che mi circondi di immagini e materiali che stimolano le idee. Uso la lavagna anche per appuntare appunti e promemoria per le attività da svolgere, per aiutarmi a rimanere organizzato e in carreggiata.

Il mio primo lavoro è stato in un'agenzia di design dove avevamo un'enorme lavagna ricoperta di foglietti adesivi. Ognuno di noi aveva una colonna con i propri compiti individuali e, una volta terminato uno, lo spostavamo nella colonna "finito", il che era incredibilmente soddisfacente.

"In sostanza, tratto il mio Storyboard come un grande taccuino visivo dove memorizzo l'ispirazione, le note settimanali e i promemoria".

In che modo avere uno spazio fisico per creare una vision board vi aiuta a dare vita ai vostri sogni?

Come artista che lavora dal mio studio, avere uno spazio fisico per creare una vision board mi aiuta a rimanere concentrata sui miei obiettivi e sui miei sogni. Il mio studio è sicuro e accogliente ed è il luogo in cui mi sento più a mio agio. È il luogo in cui mi sento più me stessa e avere uno Storyboard in quello spazio lo fa sentire ancora più utile. È il luogo in cui appendo idee, schizzi, obiettivi e piccole cose che suscitano gioia o motivazione.

"Agisce come un'ancora visiva, ricordandomi sia il viaggio artistico che sto percorrendo sia le pietre miliari che voglio raggiungere nei prossimi cinque anni".

Poter vedere la mia visione davanti a me mi aiuta a rimanere concentrato sulla direzione da prendere. Non si tratta solo di tracciare gli obiettivi, ma anche di alimentare il processo di pianificazione e di creazione della mia arte. Uso il mio Storyboard per organizzare le idee, suddividere i progetti artistici in fasi gestibili e far fluire l'ispirazione. È uno spazio in cui posso celebrare i progressi, sperimentare nuovi concetti e mantenere l'ispirazione anche quando le cose sembrano incerte.

Quando pensa a se stesso tra 5 anni, come spera che sarà la sua vita?

Il mio obiettivo più grande è continuare a crescere come artista rimanendo fedele a ciò che amo. Voglio continuare a perfezionare il mio stile, a sperimentare nuove tecniche e a spingermi oltre la mia creatività. Mi piacerebbe anche lavorare a progetti di più ampio respiro, collaborare con grandi marchi e forse anche fare una mostra personale un giorno. Oltre a questo, spero di costruire una carriera artistica sostenibile e appagante che mi permetta di creare al mio ritmo senza esaurirmi.

"Al di fuori dell'arte, voglio solo vivere una vita equilibrata e significativa, in cui trovo il tempo per riposare, fare nuove esperienze e concentrarmi sulle persone che contano di più".

In fin dei conti, il mio obiettivo è continuare a trovare la gioia nei piccoli momenti e condividerla attraverso il mio lavoro.

Quando si tratta di creare una nuova collezione, quanto può durare il processo dall'inizio alla fine? Qual è un aspetto del suo processo creativo che la maggior parte delle persone non conosce?

La mia ultima collezione d'arte, The Extraordinary in the Ordinary, ha richiesto circa quattro o cinque mesi per essere completata dall'inizio alla fine. Il mio processo creativo è in realtà piuttosto semplice, anche se molto personale. Inizia sempre con il sedermi e scrivere tutto ciò che mi viene in mente. Lo chiamo "brain dump". Riverso i miei pensieri su una pagina bianca e, col tempo, cominciano a formare una narrazione libera. Può trattarsi di quello che provo, di qualcosa che è successo nella mia vita, di un argomento o di una causa che mi sta molto a cuore. Voglio che il mio lavoro sia pertinente e onesto e cerco sempre di raccontare una storia che mi sembra vera.

Una volta individuato un tema o una narrazione, mi immergo nella ricerca. Esamino il simbolismo, i colori, i riferimenti e qualsiasi altra cosa che possa contribuire a dare vita alla storia dal punto di vista visivo. Da lì, inizio a disegnare e a pianificare i dipinti come gruppo, assicurandomi che fluiscano e si sentano coesi come una collezione.

Di solito mi propongo di realizzare circa otto-dieci opere per collezione, e ogni dipinto può richiedere circa una settimana per essere completato, a volte anche di più a seconda delle dimensioni e della complessità.

"Una cosa che molti forse non sanno è che gran parte del mio processo inizia con la scrittura. Prima di tirare fuori i pennelli, si tratta di parole, sentimenti e racconti".

Questa base scritta diventa il filo emotivo che lega tutto insieme.

Come ha trovato il suo stile unico?

Il mio stile si è sviluppato con il tempo e in modo del tutto naturale. Ho lavorato come illustratore per alcuni anni prima di diventare un artista indipendente a tempo pieno, quindi quando ho iniziato a dipingere volevo che il mio lavoro avesse un aspetto coerente. Ho cercato di riprendere lo stile che già utilizzavo nell'illustrazione. Linee decise, colori vivaci, quasi come un vetro colorato.

Continuando a dipingere, le cose hanno cominciato a cambiare. Mi sono data il permesso di giocare e di esplorare nuove tecniche e, col tempo, ho iniziato a trovare uno stile che mi piaceva davvero e a scoprire la mia voce artistica. Penso che sia così importante dare spazio al gioco nella propria pratica. È il luogo in cui ho imparato di più e ho trovato nuovi modi di fare arte che mi assomigliavano di più. Il mio stile risente ancora in parte di quell'influenza iniziale, ma è decisamente cresciuto in qualcosa di più espressivo e intuitivo.

Qual è il suo consiglio per chi sta pensando di trasformare il proprio interesse creativo in un'impresa?

Iniziate prima di sentirvi pronti. Non è necessario avere tutto chiaro fin dall'inizio. Iniziate in piccolo, siate coerenti e lasciate che le cose crescano naturalmente. Trattate la vostra pratica creativa con lo stesso rispetto che dareste a qualsiasi altra attività. Presentatevi, siate professionali e onorate il vostro tempo e la vostra energia. Anche la mentalità è importante. Passare da "sto solo facendo arte" a "sto costruendo qualcosa" ha cambiato tutto per me. Ho iniziato a fissare obiettivi più chiari, a dare un prezzo al mio lavoro con fiducia e a creare sistemi che mi sostenessero.

"Il mio consiglio più grande è quello di rimanere legati al motivo per cui avete iniziato. La vostra creatività è il cuore della vostra attività, quindi proteggete quella scintilla".