Bienvenue aux Conteurs, notre série mettant en vedette les créatifs qui donnent vie à leurs idées grâce au Storyboard.

Palettes de couleurs vives, formes audacieuses et flair graphique - l'artiste australien Xander Holliday s'est forgé un style visuel aussi distinctif que dynamique.

Créateur autodidacte qui a débuté dans la conception numérique, Xander donne vie à ses idées sur la toile, et il a maintenant ajouté le Storyboard à son flux créatif.

Racontez-nous votre histoire !

Je suis un artiste autodidacte qui a commencé par faire des dessins numériques, des collages et de l'art numérique juste pour le plaisir. Au fil du temps, cette expérimentation créative m'a amenée à prendre un pinceau et à commencer à traduire ces idées sur la toile. Ce qui n'était au départ qu'un passe-temps s'est rapidement transformé en quelque chose de plus important lorsque j'ai commencé à partager mes peintures en ligne avec ma famille et mes amis. Les réactions ont été bien plus nombreuses que je ne l'espérais, et c'est à ce moment-là que les choses ont vraiment décollé.

Jumbled a remarqué mon travail et est devenu l'un de mes premiers revendeurs. Ce moment m'a ouvert tant de portes : travailler avec de grandes marques, collaborer à des projets passionnants et, surtout, rencontrer des gens qui s'identifiaient vraiment à mon art. Ce fut un parcours incroyable et je suis très reconnaissante de toutes les opportunités qui se sont présentées à moi après avoir simplement suivi mon instinct créatif.

Comment utilisez-vous votre Storyboard?

J'utilise le Storyboard comme une partie vivante de mon processus créatif. C'est là que je puise l'inspiration pour tout ce sur quoi je travaille actuellement : palettes de couleurs, textures, formes, ou simplement des vibrations générales qui éveillent quelque chose en moi. Il trône au centre de mon studio, ce qui me permet de l'enrichir ou de le réorganiser facilement en fonction de mon humeur ou du projet dans lequel je me plonge.

La couleur joue un rôle très important dans mon travail, c'est en quelque sorte le fil conducteur. Le fait de pouvoir jouer avec différentes combinaisons de couleurs sur le Storyboard m'aide à explorer de nouvelles directions avant de les mettre en œuvre sur la toile. Ce n'est pas seulement pour planifier, cela fait partie du plaisir. Cela permet de rafraîchir mon espace et de faire circuler les idées.

Comment le fait de disposer d'un espace physique pour créer un tableau de bord vous aide-t-il à donner vie à vos rêves ?

Le fait de disposer d'un espace physique pour créer un tableau de bord fait une telle différence que toutes les idées qui flottent dans ma tête se transforment en quelque chose que je peux réellement voir. Cela m'aide à me concentrer sur mes objectifs.

"Il y a quelque chose dans le fait d'épingler physiquement les choses, de les déplacer et de les voir s'assembler qui est beaucoup plus puissant que de les garder sur un écran.

Il me permet de rester inspirée, de garder mes objectifs en vue (littéralement) et de me rappeler pourquoi je fais ce que je fais. Il m'aide également lorsque je suis dans une impasse créative, car le simple fait de regarder ce tableau peut déclencher quelque chose de nouveau. C'est plus que de jolies images, c'est comme une carte de l'endroit où je veux aller.

Lorsque vous pensez à vous dans 5 ans, à quoi espérez-vous que votre vie ressemblera ?

C'est un peu fou de regarder les cinq dernières années et de voir le chemin parcouru, surtout si l'on considère que je n'ai un pinceau en main que depuis sept ans environ. Il s'est déjà passé tellement de choses, et j'ai l'impression de n'en être qu'au début.

Au cours des cinq prochaines années, j'espère continuer à développer et à approfondir ma pratique artistique, à me dépasser sur le plan créatif, à explorer de nouvelles idées et à continuer à faire évoluer mon style.

J'aimerais montrer mon travail dans de nouveaux espaces, peut-être même dans différentes parties du monde, et rencontrer de nouveaux publics qui voient quelque chose d'eux-mêmes dans ce que je crée. En fin de compte, j'espère simplement continuer à créer, à grandir et à trouver de la joie dans le processus. Si, dans cinq ans, je peux regarder autour de moi et me sentir fière de ce que j'ai fait, tout en restant enthousiaste pour la suite, je serai exactement là où je veux être.

Lorsqu'il s'agit de créer une nouvelle collection, combien de temps le processus peut-il prendre du début à la fin ? Quel est l'aspect de votre processus de création que la plupart des gens ne connaissent pas ?

Cela dépend vraiment de la date limite. Lorsque le temps est compté, il est étonnant de voir tout ce que l'on peut extraire ! La pression m'aide en fait à prendre des décisions plus rapides et plus intuitives, ce qui peut donner lieu à certains de mes meilleurs travaux.

Une chose que la plupart des gens ignorent à propos de mon processus est que je travaille généralement sur une pièce à la fois, plutôt que de passer d'une œuvre à l'autre. Je pense que c'est la raison pour laquelle mes collections ont un tel sens de la fluidité, vous pouvez voir comment une pièce mène naturellement à la suivante. C'est un peu comme un défilé de mode, où chaque look a son propre rythme tout en s'inscrivant dans une histoire plus vaste.

Si je n'ai pas de délai serré, le processus ressemble davantage à une récréation. J'expérimente des œuvres plus petites, j'essaie de nouvelles techniques ou j'utilise le papier et les techniques mixtes pour explorer de nouvelles idées. Cette liberté rend les choses passionnantes et m'aide à orienter mon travail dans de nouvelles directions.

Comment avez-vous trouvé votre style unique ?

Une grande partie de mon travail a ce côté graphique, parfois en bloc, qui est une influence directe du travail numérique que j'ai effectué très tôt. Au lieu de commencer par des techniques de peinture traditionnelles, j'expérimentais avec des collages et des compositions numériques, et cela s'est naturellement poursuivi lorsque je suis passée à la peinture sur toile.

Je n'ai pas non plus terminé l'école d'art et je n'ai donc jamais appris la "bonne" manière de faire les choses. Avec le recul, cela a été une bénédiction. Cela signifie que j'ai dû découvrir les choses par moi-même, ce qui m'a amené à développer mes propres techniques en cours de route".

Mon processus consiste à faire des essais et des erreurs, à suivre mon instinct et à accepter les imperfections. Je pense que c'est ce qui fait que mon travail me ressemble.

Quel conseil donneriez-vous à ceux qui envisagent de transformer leur intérêt créatif en entreprise ?

Ne laissez pas le syndrome de l'imposteur vous freiner. Il est si facile de penser que l'on n'est pas "qualifié" ou que les autres ont tout compris.

"La vérité, c'est que si vous créez quelque chose qui vous passionne, c'est suffisant. Vous n'avez pas besoin de permission pour vous qualifier d'artiste ou de créatif. Plus vous exposez votre travail, plus vous gagnez en confiance".

Et ne vous inquiétez pas de ne pas savoir ce que vous faites, car honnêtement, personne ne le sait vraiment. Tout le monde le découvre au fur et à mesure, même les créateurs les plus performants. L'important est de commencer. Vous apprendrez en cours de route, vous ferez des erreurs et vous en tirerez profit. Les meilleures opportunités se présentent souvent lorsque l'on se lance et que l'on voit ce qui se passe.